李培：燼中起舞，創作是記錄身體的節奏，也是修行

韓國藝術家李培“燼中舞”展覽于和美術館開幕。藝術家以木炭、青銅、紙本為主要媒介，以純粹黑白作為基調，在極簡的形式里，追問生命、時間、毀滅與重生這些終極命題。展覽開幕前夕，我們與李培深度對話，追溯他的創作脈絡，聆聽他數十年如一日的創作修行，那些藏在炭與筆墨背后，質樸純粹的藝術本心與精神堅守。

李培

THE ARTIST

李培（Lee Bae），1956年生于韓國清道，是國際知名的抽象藝術家。他以木炭、炭黑為核心創作材料，打破素描、繪畫、雕塑與裝置的品類邊界，在純粹的黑色中挖掘可觸摸的深度與張力。他從碳化木材的生命循環中獲得靈感，將時間維度融入創作，從早年的碳化木拼貼作品，到如今以炭黑墨色定格動作與時間軌跡的系列新作，始終在探索黑色深淵里的東方哲思。作品曾在全球十余座頂尖藝術機構舉辦個展，被法國吉美博物館、韓國國立現代美術館等重要機構永久收藏。

展廳入口水池上的這件白色雕塑，是李培特別強調的一件作品。

它指向某種“打開”的意向：

“現在社會，人們的思想容易固化，以人為中心。

我希望打開一點，向外走，回到大自然，珍視大自然。”

在安藤忠雄設計的和美術館中，

他期許城市里的人們，走進來時，能與自然完成一場靈性相遇。

展覽開幕前兩天，順德下著小雨。韓國藝術家李培站在和美術館的水池邊，攥著對講機，雨水順著他的頭發往下淌，工作人員正合力將一件白色雕塑吊裝到水面合適的位置。這是他為展覽創作的新作，看上去如浮云踏鏡池。雨點落在水面上，漣漪蕩開，雕塑的倒影被打散又聚攏，像一場即興演出。

展覽現場。這次展覽，他帶來大量新作，涵蓋雕塑、裝置、繪畫、影像等多種形式，是對他創作的一次完整呈現，也是他在中國南方的首次機構個展。

作品《浴?重?-Y》，

2003，?炭、畫布，190 × 260 cm。

圖片提供：藝術家與貝浩登。

這是李培第二次來廣州，上一次是幾個月前，為了籌備展覽而提前考察。他很喜歡這里的天氣，濕潤，雨水充沛，陽光充足，和韓國家鄉的氣候很像。他笑說潮濕甚至讓他產生微妙錯覺，“好像我很久以前在這里生活過。”除了天氣，令他印象深刻的，還有食物。“我發現當地人很感性，很會處理材料，湯、魚、海鮮、雞肉、蔬菜，每一道都花費了漫長的心力，也極有智慧。”有趣的是，他用“處理材料”這幾個字，來描繪嶺南人的烹飪過程。這種對材料的敏感，其實在他的創作中，一直有跡可循，只不過他面對的是木炭、青銅與紙本。

展覽現場。

作品《浴?重?》，

2023，?炭、橡膠帶，400 × 400 × 800 (H) cm。

展廳內高達八米的黑色炭柱，是他耗費漫長心血打造的核心作品。這些炭材，全部取自他韓國家鄉山間有著百年樹齡的自然枯死松樹。他在工作室里，沿用傳統黃土窯，燒了整整一個月，再搬運過來，重新捆扎、壘砌。這些死掉的松樹，以藝術的形式，有了新的生命，也凝聚著他對于生死、時間、自然的思考。

展覽現場。巨型青銅雕塑橫亙于空間中。

作品《筆觸 Ma3》，

2026，青銅，1050 × 160 × 150 cm。

木炭是他從1990年開始，堅持了三十多年的創作材料。選擇木炭創作的理由，與他早年在巴黎的藝術經歷有很大關系。“當時，我發現西方人很容易理解塞尚、讀懂印象派，卻很難讀懂中國的八大山人，西方的美術辭典沒有‘留白’這個詞，很難理解東方性。”那時，他常被西方人問起為何用炭創作。他直言：“在東方，有著幾千年的以墨為書寫背景的世界，人們用筆墨來畫畫、寫字，記錄文明，我是從這個世界來的。”而他常用的另一材料青銅，在他的手中，也是帶有“碳的意味”的材料。他希望觀眾看到青銅作品時，能聯想到炭，讀懂器物表面那些近似炭的紋理。

美術館二層展出的主要為李培的紙本繪畫作品。

展覽取名“燼中舞”，李培如此解讀：“現實常常把人往下拉，而內心的夢想又向上托舉。而藝術，在理想與現實之間的拉扯，找到了彼此連接的方式。”對他來說，創作不是基于經驗與知識，而是自然而然流露出來的，是一種純粹的表達，就像祈禱一樣。他以中國的書法、武術舉例，都是跟隨身體的直覺性表達。“我的作品，也像是把身體的節奏記錄下來，燼中舞里的舞，便源于這樣的感受。”

作品的陳列極具節奏感，作品中遒勁的筆觸，充滿力量。

走進和美術館二層，數十件《筆觸》系列紙本作品以懸浮形式垂落。李培特意將這批畫作布置在展廳中央。觀眾穿行其間，不只是觀賞畫作，更仿佛置身舞臺中央，與作品相融。“我像編排舞蹈一樣布置這些作品”，他說道。

展覽現場。

作品《筆觸 ay-7》，

2026，炭墨紙本，222 × 154 × 7 cm。

作品《筆觸 al-7》，

2026，炭墨紙本，222 × 154 cm。

圖片提供：藝術家與貝浩登。

無論是繪畫、雕塑還是裝置，李培的作品始終有著強烈的線條感，以純粹的黑白兩色構成。外在形式看似簡約，卻蘊藏巨大能量。這份能量從何而來？他回答：“在中國傳統繪畫里，長長的毛筆很難掌控，需要把心神、意念和毛筆融為一體，才能生出這樣的力量。”對他來說，這種修煉，不是磨練技法層面，是修煉一種精神。如他所言：“比起畫技出眾，精神境界的提升，才是藝術的本質。”

展覽現場。

前方的雕塑作品為《筆觸 A1》，

2025，青銅，113 × 73 × 55 cm。

媒介在李培手中是流動變化的。他嘗試雕塑、裝置、影像等多種形式，卻始終保有一個核心身份，“我只是畫家”。他解釋，“不管是做雕塑還是裝置，我都以畫家的視角去創作。”他強調繪畫是他的根基，其余媒介，用來延伸繪畫的表達，讓內心的情感與思考得以更充分地釋放。

展覽現場。青銅雕塑與紙本繪畫，平面與立體。

很多人把李培歸為韓國單色畫的代表藝術家之一，但他自己并不這么看。“我受到一些單色畫的影響，他們是老師，但我不是單色畫的畫家。20世紀70年代，韓國發生一場美術運動，當時整體物資匱乏，藝術家缺少顏料與創作材料，以有限單色進行創作。大家便在這有限的單色基底里，投入大量心思、勞作和能量，由此慢慢形成了獨特的藝術派別，是時代和特殊環境的產物。”

李培的作品始終貫穿“毀滅與重生”的循環哲學。

作品《筆觸-A22》，

2024，炭墨紙本，262 × 172 cm。

圖片提供：藝術家與貝浩登。

李培的創作超越單一流派標簽，持續追問本質的命題：時間、物質、生命與死亡。他這樣闡釋追問的意義：“做藝術，是把內在想法向外傳遞，也把外界體驗沉淀進內心。像一場往返的旅程，向外探索遠方，向內深挖自我。人與自然之間存在循環，精神與物質之間也存在循環。在這樣的循環里，我的想法變得純粹，內在的自我也得以修煉。”

展覽現場。

每一幅懸浮的紙本作品都足以令人駐足冥思。

修煉，落實為近乎嚴苛的創作節奏。他每天凌晨四點起床，守住一日里最寧靜的時段，先祈禱、冥想，“思緒足夠干凈，才能迎來靈感，生出新的表達。”五點開始創作，保持六小時高度專注，之后吃午飯、休息運動，為次日創作做準備，晚上八點入睡。對他來說，保持固定節奏創作，是成就藝術創作的關鍵，不能因為生病、天氣或疲憊隨意中斷。“把精神融入日常習慣，像上班一樣，日復一日的堅持，正是這樣，造就了今天的我和這些作品。”

展覽現場。

紙本作品與青銅雕塑構成回響，

以不同的方式梳理著藝術家對“留存與重生”的沉思。

如今，李培往返于巴黎和韓國兩地生活，兩種環境，互為平衡。巴黎為他打開向外的視野，看見和吸收多元的新鮮事物；回到韓國故鄉，則是回歸本源，令他思考自我的本質是什么。

當被問及什么樣的作品最打動人心，他答道：“是最真實、最純粹的作品。沒有真實與純粹，就無法產生感動。這不是藝術家獨有的特質，是每個人本心都擁有的東西，只是常常被現實遮蔽。藝術家的責任，就是撥開遮蔽，喚醒人的想象力。”

李培：燼中舞

展期：2026年7月11日-9月20日

地址：和美術館，廣東省佛山市順德區北滘鎮怡興路6號

編輯 | 秦震

空間攝影｜陳雨鑫，致謝和美術館

肖像攝影｜Claire Dorn，致謝藝術家與貝浩登

文｜余雯婷

設計｜LULU

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