愛奇藝的AI冒進，踩中了時代最敏感的神經

4月20日，愛奇藝世界大會的舞臺燈光還沒熄滅，“愛奇藝瘋了”五個字已經沖上微博熱搜第一。

引爆輿論的，是愛奇藝高級副總裁劉文峰的一則官宣：旗下影視制作平臺“納逗Pro”正式建立“AI藝人庫”，聲稱已有超百位深度合作藝人簽署入駐同意書，大屏上赫然亮出馬蘇、陳哲遠、曾舜晞、丞磊等人的照片。CEO龔宇更是在演講中拋出一句“未來真人實拍可能成為非物質文化遺產”，試圖以炸裂的修辭為這場AI敘事定調。

愛奇藝世界大會上展示的AI藝人庫

藍圖尚未展開，現實就給了愛奇藝沉重一擊。發布會當日下午，張若昀工作室率先發聲：“沒簽過任何AI相關授權，法務正在緊急處理。”緊接著，于和偉、王楚然、李一桐等多位藝人接連辟謠，口徑一致：從未簽署任何AI授權協議。

“簽約”變“被簽約”，“入駐”成“被入駐”——愛奇藝用一場精心籌備的發布會，換來了一場轟轟烈烈的公關災難。

這不是一次簡單的“溝通失誤”，這是一次企業戰略傲慢的全面暴露。

一、“先斬后奏”：一場觸及底線的決策事故

事實層面并不復雜。劉文峰在演講中稱已有超百位藝人“簽署入駐同意書”，言之鑿鑿，名牌齊列。而當藝人工作室辟謠后，愛奇藝當天下午改口稱，藝人入駐僅代表“有接洽AI影視項目的意愿”，“是否參加某個具體項目、是否出演某個具體角色，都需要進行單獨的商談和授權”。

辟謠前后表述存在微妙落差：“簽約入駐”變為“意愿意向”，難自圓其說，觀眾也難以接受這樣的解釋。

如果只是表達合作意愿，為什么要在行業年度大會上以“藝人庫”的形式大張旗鼓地公布？如果流程“與傳統真人影視項目合作流程完全一致”，為什么需要單獨建立一個“AI藝人庫”來承載？

無論愛奇藝的初衷是什么——是為了探索AI降本增效的商業路徑，還是真的想要構建一個“規范化的AIGC創作者對接平臺”——其方式，都是不周全的、莽撞的。尤其在涉及藝人肖像權、聲音權、表演權這些高度敏感的人身權益時，任何“先斬后奏”的操作都不是創新，而是傲慢。

經濟日報的評論用詞克制但態度鮮明：“技術狂奔豈能突破人文底線”“任何涉及真人數據的AI項目，都必須以授權清晰、邊界明確為不可逾越的底線”。

法律界的分析更進一步揭示了風險：律師指出，所謂AI授權可能導致“藝人權利被架空，商業議價能力和稀缺性被稀釋”，AI藝人庫若缺乏合規約束，“極易引發授權造假、人格權被肆意侵害、演藝行業秩序混亂”等諸多亂象。也就是說，即便愛奇藝事后澄清、更正，這個“藝人庫”的邏輯本身仍讓藝人的權益處于系統性風險之中。

愛奇藝創始人、CEO龔宇稱，目前的演員清單僅表明藝人有合作意愿。

二、一份“漂亮的履歷”：為何說龔宇的“非遺論”站不住腳

如果說“先斬后奏”暴露的是執行層面的傲慢，那么龔宇那句“真人實拍未來可能成為非物質文化遺產”，暴露的則是理念層面的虛無。

“非遺”是一個嚴肅的文化保護概念，用以指稱那些瀕臨消亡、需要被搶救性保護的文化實踐。把真人表演——這門以活生生的人為核心的藝術——類比為“非遺”，無論在何種語境下，都是極其不妥的。有網友諷刺道：“低情商是讓演員失業，高情商是讓他們成為非遺代表性傳承人。”

龔宇事后在個人社交媒體上連發三條微博澄清，說自己是在“提出一個假設”，“真人實拍會永遠存在，就像舞臺劇一樣”。

有評論犀利地指出，龔宇并非真的相信真人實拍會變成非遺。“他只是在用一種極具傳播力的方式告訴資本市場，‘我們愛奇藝，找到了新的增長曲線’。”結合愛奇藝近年的市場表現——營收連續兩年負增長、2025年由盈轉虧、股價較巔峰縮水超九成——這份“AI敘事”更像是困境中的孤注一擲。

但問題在于，為了向資本市場講故事，就可以輕率地拋出一個近乎“終結真人表演藝術”的論述嗎？在數以萬計影視從業者本就為就業焦慮的當下，“真人實拍成非遺”六個字的諷刺意味被無限放大。龔宇說“科技以人為本”，但當他的表述讓演員們聽到的不是“賦能”而是“替代”時，這四個字便不再溫暖。

三、為什么AI永遠代替不了真人——從“數據”到“感情”的鴻溝

這場風波之所以引燃全網憤怒，表層是愛奇藝“先斬后奏”的操作觸怒了藝人和觀眾，深層則是它觸碰了一個更沉重的話題——AI對人類創意工作者的系統性沖擊。

這不是危言聳聽。2023年，美國演員工會進行了長達118天的罷工，核心訴求之一就是反對制片公司掃描演員肖像并無限期重新使用。2025年，AI虛擬角色蒂莉·諾伍德試圖簽約經紀公司時，美國演員工會發表措辭嚴厲的聲明：“她不是真正的演員，而是一個計算機程序生成的角色。她沒有人生經驗，沒有情感。它竊取演員表演，傷害他們的生計，并貶低了人類藝術的價值。”

蒂莉·諾伍德

這些發生在太平洋彼岸的激烈對抗，表明同一個命題：當技術試圖批量復制人的形象時，它挑戰的不是效率，而是尊嚴。

而愛奇藝在這次風波中試圖回避的核心問題是：AI到底能不能替代真人演員？答案其實清晰而確定——不能，而且永遠不能。這不是技術發展的階段性問題，而是藝術本質的結構性問題。

第一，真人演員擁有不可預測的成長性，而AI只有可預測的重復性。

真人演員最珍貴的特質，恰恰不是他們的“可控”，而是他們的“不可控”。一個演員在不同的生命階段、不同的心理狀態下，對同一個角色會有截然不同的理解。

陳道明在《康熙王朝》中的即興獨白，源于他數十年的人生積淀與對角色處境的深度共情——那不是“表演”，而是演員與角色在那一刻的靈魂共振。《我不是藥神》中，徐崢眼神從絕望到決絕的轉變，層次分明、層層遞進，是演員自身生命經驗的外化。

這些“神來之筆”不是設計出來的，是“長”出來的——它們來自一個活生生的人對世界持續不斷的觀察、體驗和思考，是算法永遠無法模擬的“真感受”。

《康熙王朝》陳道明獨白片段

AI表演則恰恰相反。它的本質是“算法對數據的重組”，是基于海量樣本的標準化輸出。它可以學習徐崢“絕望到決絕”的表情過渡，但它永遠無法理解為什么絕望會走向決絕，更無法在自己的人生中重現那個心理過程。

AI的成長性是偽成長性——它只能通過吸收更多數據來優化輸出模式，而不是通過真實的人生經歷來完成認知和情感的躍遷。

第二，真人演員擁有生命力，而AI只有“情緒幀”的拼接。

中國藝術報一篇關于AI表演的深度評論給出了極為精準的技術拆解：AI生成影視內容中的虛擬角色，其表情和動作基于大量真人表演數據訓練而成，可以呈現夸張、高效的情緒反應——一個“憤怒”的表情在0.1秒內精確到位，一個“悲傷”的流淚完美地按照設定幀數滑落。但觀眾很快發現，“這些情緒之間缺乏有機過渡，是‘情緒幀’的拼接，而非情感流的涌現”。

以2025年引發爭議的AI演員蒂莉·諾伍德為例，她在某部短片中被要求演繹“得知母親去世的場景”——眉頭緊蹙、嘴角下撇、眼淚滑落，局部一切精準。但整體上“明顯缺乏內在的情感連貫性”。

“悲傷不是一個靜態的表情包，而是一個層層展開、不斷演進的過程，是心理狀態在身體上的連續投射。”AI可以將每一個表情幀做得極其逼真，卻無法在幀與幀之間“注入那種由內心驅動的、有機的、不可預測的情緒節奏”。一個從不知悲傷為何物的算法，如何能讓觀眾相信它“難過”？

這正是知名演員馮遠征那番話的深刻之處：“AI演員的眼淚是畫出來的，但我的眼淚是從身體里流淌出來的，有溫度、有味道。”眼淚不只是面部肌肉的收縮和淚腺的分泌物，它是一個人全部生命經歷在某一瞬間的集中釋放。畫出來的眼淚看起來很完美，但它沒有“溫度”，更沒有“味道”——那種只有活過、痛過、愛過的人才能散發的、獨一無二的生命氣息。

第三，真人的創造力根植于“真實”，而AI追求的是“完美”。

真人表演的魅力，常常藏在那份“真實”之中：即興臺詞的意外火花、哽咽時詞不達意的停頓、對手戲中微妙的臨場反應……這些“不完美”的真實恰恰構成了表演的“鮮活”——它是此時此刻、此情此景、此人與此人之間獨一無二的化學反應，永遠不會以相同的方式再次發生。

AI追求的是“可控”——零失誤、高效率、可復刻。它能完美地執行劇本的每一個標點，卻永遠無法在導演不知道自己要什么的時候，給出那個“連導演都沒想到但一眼就知道對了”的瞬間。這種創造力不是“優化”出來的，而是從一個創作者全部的生命積累中迸發出來的。

《喜劇之王》劇照

《AI的狐步舞——人工智能的技術、倫理與詩意》一書的判斷值得被反復引用：“AI表演越普及，真人表演越矜貴，人類藝術的靈魂永遠無法被算法替代。”AI可以成為演員的助手——完成高危動作、跨年齡表演、多語言適配、重復性鏡頭——但它絕不能取代演員。因為表演的本質不是“完成動作”，而是“傳遞生命”。

四、技術可以狂奔，人心不可辜負

總而言之，這是一個企業在技術焦慮和業績壓力雙重驅動下，將“效率邏輯”凌駕于“人文底線”之上的失誤。

經濟日報的三點總結切中要害：愛奇藝“沒想到人們對‘真人’的情結如此之深”，“沒想到一句話觸碰了職業尊嚴的底線”，“沒想到AI‘造臉’已經引發眾怒”。

這三個“沒想到”，暴露的不是信息溝通的技術問題，而是一種更根本的認知偏差——“人”變成了可以被參數化、數據化、標準化處理的“生產要素”。

當一家文化企業開始用工業流水線的思維來談論表演藝術時，它離“文化”二字就已經很遠了。

觀眾的反應是清醒的。

有調查顯示，高達74%的觀眾明確抵制AI作品，認為其無法傳遞真實的情感共鳴。網友的評論更加直白：“觀眾要看的是毛孔會出汗、眼眶會發紅的真人，不是尸塊拼接的完美假臉。”

這種集體情緒不是對技術的本能抵觸，而是對“人”的深層守護。越是技術高度發達，人們對真實、質樸、有溫度的內容產品的追求就越是鮮明，這種對“活人感”“煙火氣”的珍視，“折射出人們對真誠情感與人文精神的深層渴望”。

龔宇說他“心疼演員”，想讓演員從高強度工作中解脫。這個初衷本身并不壞。AI確實可以承擔高危戲份、重復鏡頭等輔助性工作，這是技術向善的正確方向。

但問題的關鍵在于：在資本的驅動下，這個比例會不可逆地傾斜。一旦AI可以完美替代功能性的配角，為什么還要花錢請真人？一旦AI可以把成本壓到零頭，為什么還要忍受真人“不完美”的創作過程？

從“AI做苦力、真人搞創作”的理想分工，到“AI做一切、真人成‘非遺’”的滑坡，不過是效率邏輯的必然結果。

而“真人實拍成非遺”這句看似驚世駭俗的論斷，其真正的破壞力在于：它瓦解了一個行業的信念根基。

如果連平臺的掌舵者都認為真人表演終將成為“文化遺產”，那些還在片場摸爬滾打的年輕演員、那些剛從表演系畢業心懷夢想的學生、那些用一輩子打磨一門手藝的老藝術家——他們的堅持還有什么意義？這種話語對行業信念體系的打擊，比一次授權爭議要深遠得多。

愛奇藝想講一個漂亮的AI故事給資本市場聽，但卻忘了消費者也在看：觀眾想看的，不僅是一個漂亮的故事，還是一個活著的人，在屏幕那頭，用真實的情感與自己對話。

技術可以狂奔，但人心不可辜負。這記警鐘，不只屬于愛奇藝，更屬于所有在AI浪潮中蠢蠢欲動的市場玩家。