行業前沿|電視內容行業如何擁抱創作者經濟？

隨著越來越多的年輕觀眾涌向MrBeast、The Sidemen和DanTDM等創作者，傳統電視制作公司和后期制作機構不得不重新審視自己應如何融入這一生態。英國行業媒體Broadcast今日刊發深度報道，邁克爾·伯恩斯（Michael Burns）探討了這兩個領域在哪些方面最適合展開合作。今日影視產業觀察特別編譯這篇報道，供中國的業界同仁們參考。

媒體格局已經發生了巨大變化。個人創作者僅憑一部智能手機以及與受眾之間的直接連接，就在沖擊一個仍然建立在傳統節目形態之上的市場。但當由創作者主導的IP成長到足以吸引數字優先型播出平臺和品牌加入其中的規模時，會發生什么？而成熟的電視制作流程究竟能夠帶來什么價值？

助力數字優先型工作室走向主流

在傳統電視制作行業工作多年后，露西·史密斯（Lucy Smith）創辦了Fawkes Digital。她已經從“追逐日益收縮的委制機會”轉向為創作者、品牌以及諸如Channel 4.0、Good Food、Garnier和BBC iPlayer這樣的數字播出平臺之間尋找合作融資機會。其目標是讓IP更快地呈現在觀眾面前。最近的一個例子是由蒂努克·奧耶迪蘭（Tinuke Oyediran）主持的《CEO戶外挑戰》。第一集僅花費250英鎊，用兩部iPhone拍攝完成，并發布在LinkedIn上，目前該節目已經完成了六集制作。

“播出平臺是觀眾的策展人，而工作室是IP的創造者。”露西·史密斯說，“創作者節目在YouTube上的觀眾規模，往往比它們轉向傳統播出平臺之后更大，Netflix和Amazon這樣的播出平臺正在意識到，像MrBeast和The Sidemen這樣擁有龐大影響力的超級創作者，實際上可以把他們數以百萬計的訂閱用戶帶到這些平臺上來。”

“數字優先型節目通常以最小可行產品的形式起步，用來測試觀眾反應，然后再擴大規模，但始終會保持一種精簡的數字化制作模式，以最大限度地把資金投入到屏幕內容本身。”她補充道，“這種測試并不斷迭代的方法意味著，數字優先型工作室掌握著一種強大的資產——那些已經擁有觀眾基礎、風險已經被提前驗證過的娛樂節目模式。

“如果Netflix決定為某個項目投入資金，那么你當然會聘請最優秀的制作團隊，搭建更令人驚嘆的場景——更關鍵的是，邀請最頂級的創作者人才參與其中。”

MonRae Productions聯合創始人布羅納·莫納漢（Bronagh Monahan）多年來一直為創作者提供顧問服務，幫助他們判斷什么內容最能在網絡上引發共鳴。她表示，如今播出機構實際上已經主動擁抱數字人才。“挑戰在于，如何把原生適用于YouTube或TikTok的內容形式轉化為一種既保持真實感、又能夠擴展到電視平臺的節目形式。”她說，“我們不會像傳統制作公司那樣去處理這件事。從經濟結構上看，我們更精簡；從創意角度來看，我們離觀眾更近。”

像這樣的工作室扮演著橋梁的角色，“幫助播出平臺觸及那些他們難以有效觸達的受眾，同時確保創作者保留讓他們最初取得成功的那些特質”，莫納漢說。2021年，MonRae Productions為Sky Kids開發了《讓我們一起游戲》（共120集，每集10分鐘），由游戲類創作者DanTDM和伊桑·蓋默（Ethan Gamer）出演。該節目至今仍然是頻道收視表現最好的節目之一，其衍生版本也依舊持續推出。

傳統制作并沒有停滯不前。今年2月，ITV Studios推出了Studio 55，由品牌與商業合作執行副總裁威爾·斯考加爾（Will Scougal）負責領導。這一舉措緊隨去年Zoo 55的推出之后。作為一個數字業務品牌，Zoo 55將品牌合作延伸至社交媒體、游戲和流媒體平臺。在斯考加爾（Scougal）看來，Studio 55幾乎就像一個內容委制方。“Studio 55將創作者與ITV Studios的內容開發理念以及品牌合作伙伴連接起來，”他說，“通過這種方式，我們幫助創作者建立圍繞IP展開的長期戰略合作關系，而這種合作關系也可以進一步延伸至授權開發合作。”

發行能力是一項核心優勢。Studio 55與Zoo 55合作建立協同模式，讓“內容在觀眾所在的地方與他們相遇”，并幫助內容快速實現商業規模化。斯考加爾補充道：“對于合作伙伴來說，我們最大的優勢之一在于我們運用數據與洞察的方式。創作者的創意雄心，能夠以只有與大型工作室合作才能實現的方式被真正落地并獲得傳播。”

“數字優先型”內容VS傳統電視內容

“數字優先型”內容在結構和制作速度上可能與傳統電視節目大不相同，“但從前期籌備到后期制作，我們都力求保持靈活敏捷。需要擴張時，我們也可以迅速擴大規模。”斯考加爾說。

露西·史密斯也描述了類似的靈活性：“如果是我們自己出資測試一個節目模式，我們會直接用iPhone拍攝，然后在內部完成剪輯。”當項目規模更大時，他們會引入外部遠程后期制作支持。“這通常表現為邀請資深自由剪輯師遠程參與，并通過Frame.io讓高管、委制方以及品牌方在線批注反饋，”史密斯（Smith）說，“到目前為止，我們還沒有啟用大型后期制作公司，但隨著項目預算規模擴大，這種情況很可能會改變。”

史密斯表示，為節目打造品牌——包括Logo、縮略圖、節目包裝圖形以及衍生商品開發——其重要性有時與節目本身同樣關鍵。“我們總會在前期籌備階段盡早邀請世界級的圖形設計專家參與，為每一個娛樂節目模式打造專屬品牌形象，并將這一品牌視覺深度融入拍攝過程之中。”她還補充說：“當你為播出平臺制作節目時，交付標準肯定會發生變化。即便是一檔以YouTube為優先平臺的節目，只要是為播出機構交付，也必須通過英國通信管理局的質量審查。”

在制作《讓我們一起游戲》時，MonRae做出的一個關鍵決定，就是克制住把節目做得過于復雜的沖動。“這檔節目是遠程制作完成的，直接使用創作者原本就擁有的設備，在他們的受眾早已熟悉的環境中進行錄制，”布羅納·莫納漢說，“這讓創作者能夠以一種對他們來說最自然的方式工作。

“我們并不是試圖按照傳統電視的方式去升級它的視覺質感。從某種意義上說，這種制作模式本身就反映了觀眾的觀看習慣：他們本來就在看這樣的內容、本來就在這些平臺上消費這樣的形式。我們的工作，是去到他們所在的地方，而不是把他們拉到一個陌生的環境里。”

史密斯指出，當創作者內容進入更完整的電視制作體系時，隨之而來的制作責任也會顯著增加，這些對電視公司而言早已是“本能操作”。

“完善的照護責任體系、拍攝場地授權文件、健康與安全審核，以及英國通信管理局的相關規范——這些要求，對于許多小型數字創作團隊來說，可能從未真正系統接觸過。”她說。

斯考加爾對此表示認同，并指出Studio 55始終延續ITV Studios的核心制作標準，包括對創作者的責任保障、多元與包容原則，以及對創作者和品牌合作方的整體保護機制。“我們看到市場上正在形成一種真實的趨勢：各方都希望建立更大規模、更長期的合作關系，而這種合作不僅依賴創意與制作支持，也同樣依賴我們所能提供的基礎設施與運營能力。”他說。

為創作者提供“中間方案”

在創作者生態中扮演“修正者”的角色，并假設創作者需要電視公司來進行專業化改造，這種思路并不一定有效，一些制作與后期機構正在調整自己的路徑。例如，后期制作公司Vaudeville Sound正在主動將傳統電視制作的基礎設施引入創作者領域。該公司與The Finish Line合作，在倫敦Shoreditch建立了一座播客與視頻制作工作室，達到廣播級標準。

該工作室配備三臺Sony FR7機器人攝像機、Nanlite專業燈光系統，以及Shure SM7B廣播級麥克風。據創始人兼首席執行官丹尼爾·瓊斯（Daniel Jones）介紹，Vaudeville的模式并不是簡單提供空間租用，而是提供完整制作服務。“一些播客工作室會說：‘這是一個房間，你自己去錄吧。’”他說，“但很多環節都是額外收費。如果你真正需要三機位拍攝加工程師支持，我們的整體打包價格其實和那些逐項疊加的費用差不多，甚至更低。因為我們提供的是完整的制作體系。”他補充說，這種模式的核心是“全流程支持”，而不是單一設備或空間。

在Vaudeville體系中，機器人攝像機的意義并不是增加靈活性，而是提升速度與可重復性。瓊斯聘請攝影指導建立了一整套燈光與機位預設庫，使得創作者進入影棚后可以在幾分鐘內開始拍攝。“播客創作者不會接受花三個小時等待燈光調整，”他說，“他們希望走進來就能開始錄制，但同時仍然擁有電視級別的制作質量。”

整個流程都運行在Blackmagic Design生態系統中：從ATEM切換采集，到在DaVinci Resolve中完成剪輯、調色與音頻處理。其邏輯非常直接：將所有制作環節整合在一個系統內，從而實現創作者所需要的快速周轉效率。同時，AI系統可以根據字幕自動生成社交媒體短視頻剪輯、精選片段以及鏡頭調整版本。直播功能也可以作為可選服務提供，而更高端項目則可加入完整調色、混音與圖形包裝流程。

瓊斯強調，Vaudeville與普通播客工作室的最大區別并不在設備，而在于其面向廣播級平臺的交付能力。“我們向Apple、Disney、Amazon、Netflix、BBC以及Channel 4交付內容，而這些平臺對內容的處理標準與電視節目是同等級別的。”這種廣播級安全與交付能力，正是大多數播客工作室所缺乏的。隨著創作者內容與高端平臺內容的界限不斷模糊，這種能力的重要性正在上升。

與此同時，在倫敦Soho，Dean Street Podcast Studio推出了VeePod系統，將虛擬制作理念引入播客領域。其創始人羅布·錢德勒（Rob Chandler）將其定位為一種適用于預算敏感型創作者的中間解決方案。VeePod通過虛擬制作技術，實現完全可定制的數字場景，無需搭建實體布景，從而同時降低成本并擴展創意可能性。

“價格大約是每小時200英鎊的影棚費用，以及約200英鎊的剪輯費用。”錢德勒說，“對于創作者來說，這聽起來不便宜，但如果有品牌贊助，這就變得可行了。相比傳統制作方式，這仍然是較低成本的選擇。”他指出，這一模式正在逐漸被更高層級的創作者接受，尤其是來自TikTok等平臺的創作者，他們需要更高效率的內容生產方式。

“他們越來越缺乏時間，”他說，“因此他們不再依賴在家用手機拍攝，而是進入工作室進行批量內容錄制，從而提升產出效率。”在這種模式下，創作者依然保持熟悉的工作流：有創意 → 預約拍攝 → 進入現場 → 完成錄制 → 獲取素材 → 立即發布。

錢德勒還指出，這種模式也極大提升了品牌合作的靈活性。“我們可以做任何事情，”他說，“從在背景中加入產品植入，到在窗外模擬一輛雙層巴士駛過并帶有廣告標識。”他認為，這種模式為創作者提供了一種“中間地帶”：既保持DIY創作的速度與自由，又具備接近傳統制作的結構化能力。

他總結道，傳統電視制作的復雜流程有時會顯得過重，而純粹的創作者模式又缺乏穩定性。因此，未來更可能出現的是一種混合形態：

既有創作者的自主性，也有工業化制作的效率與規范性。

原文來源：

https://www.broadcastnow.co.uk/tech/how-tv-can-work-in-harmony-with-creators/5216413.article

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編譯 | 尼德

主編 | 彭侃

執行主編 | 劉翠翠

排版 | 范雨函